Thomas de Pourquery

  • Thomas de Pourquery & Supersonic
    Thomas de Pourquery & Supersonic
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“De Pourquery’s excellent, shockingly sweet falsetto vocals cut through all the distorted electro-gunk like Fairy liquid.” – Jazzwise

 

“«Sons of Love» devrait l’imposer en compositeur suprême” – Les Inrockuptibles

 

 

New album release “Sons of Love” March 03rd, 2017 (Label Bleu) 

After the award for Best Album of the Year at the “Victoires du Jazz 2014” for their first CD, Supersonic are back…

After co-writing for exciting bands (Rigolus, DPZ, VKNG), and singing and playing saxophone for many artists such as Metronomy, The Shoes, Jeanne Added or Andy Emler… After performing songs by Tom Jones, Sun Ra, Queen, Frank Sinatra, Charlie Parker, Prince and David Bowie… After incursions into cinema with the Dogs of Navarre for the film « Apnée » directed by Jean-Christophe Meurisseou and Antonin Peretjatko with whom he shot « La loi de la jungle »… After a first album « Play Sun Ra » with his band Supersonic released in 2014 and crowned « Best Album of the Year » by the “Victoires du Jazz 2014”…

Here is « Sons of Love », the first album by Thomas de Pourquery, the first where he has composed all of the music, like a declaration of love for his heroes. The anatomy of a dream: Supersonic was born in 2011 with the album « Play Sun Ra ». The adventure had been so beautiful and the musical genius proven through so many concerts around the world. There was no need to make a second album like Sun Ra and even less to imagine writing a repertoire after playing such masterpieces… Wonderful memories should be preserved, another group should be formed and the page should be turned. But then came the dream… « While I rarely dream of music, one night I dreamt of this new album. I was like a miniature bird in an immense disused hangar that was open to the sky. I could fly next to the musicians who were playing. I could touch the keys of the saxophone, stand on a cymbal, and then jump onto the keys of the piano, or trampoline on the bottom string of the bass, it was crazy! But what was even crazier was the sound and energy that I heard. But what is this group? I realised on waking up that it was my band, Supersonic !!! I was stunned, literally transported and for the first time I could hear my beloved Edward, Laurent, Fabrice, Frederick and Arnaud in a different way. Fascinated by this interstellar sound that caressed me, I did not hear melodies but an energy from coiled up waves. I already knew that my group had its own chemistry; but in this dream the DNA of Supersonic was in my body it became a physical sensation. I really heard what Supersonic was. Every composer, has the infernal challenge of « writing a masterpiece », but when I awoke I had my ‘Eureka’ moment, I understood. I only had to write ‘pretexts’ so that the composition would flow. » The dream was the foundation for everything that would follow and it would open the door to freedom. Above all to write ‘pretexts’ for my five musical brothers, and to write for what they are, making the 6 dimensions of Supersonic dance in weightlessness. « I simply had to design the framework in which we would invent the text, the narrative, the discussions and the material together. To try to touch the stars while remaining as down-to-earth as possible, to only filter, to let the music to go through me and then to transcribe it, to combat the third eye which would watch over us like a drone above the battlefield. « 

The blank page had miraculously disappeared, so Thomas called the musicians and announced that there will be a second album and described his dream. In one month (February 2016) Thomas writes furiously thinking only of the sound of his 5 heroes: Edward Perraud, Frederick Galiay, Arnaud Roulin, Fabrice Martinez and Laurent Bardainne. Musicians who all have a love of melody, trance and improvisation; three fundamental principles of playing together. Here the force is the vibration and we think of groups such as Mingus, Coltrane, Sun Ra, but also of Joy Division, Sex Pistols, Jeff Mills … A brotherhood with a repetitive urban language with today’s technologies, which stirs emotion and moves people in an act committed humanly and politically, to connect to what we do not understand, to the miracle of life. Similar to the Indian ragas, here the tracks are characters that propel us in the heroic intergalactic epic of Titan when he meets the Sirens. Together, they travel in Spaces Ways and in an explosion of love from planet to planet then to ecstasy and finally landing to hold back time. They then become aware that they are the threads of love, woven and transcended by the Simple Forces, and set out to recapture the booty to make the Revolution, the only, the great, the true: around the sun. And it starts all over again.

 

Nouvel album « Sons Of Love » Label Bleu / L’Autre Distribution Sortie 3 mars 2017

Le premier album « PLAY SUN RA » de Thomas de Pourquery & Supersonic a été élu Meilleur Album de l’Année aux Victoires du Jazz 2014. Le second… vous allez en entendre parler

« Après avoir vécu une si belle histoire avec le Supersonic et le premier album, je n’envisageais pas retourner en studio en enregistrer un second. Je ne me voyais ni écrire de la musique pour ce groupe qui est né avec les chefs-d’oeuvre de Sun Ra (je me disais « Qui suis-je, moi Thomas, pour passer après ce génie?! »), ni faire un « Play Sun Ra volume II »… Je me suis presque résolu à cette idée que l’histoire s’arrêterait là… jusqu’à cette nuit de février 2016 pendant laquelle je fis ce rêve incroyable… J’étais une toute petite souris volante et me trouvais au milieu de Supersonic qui jouait dans un immense hangar. Je pouvais voler et aller partout, presque toucher les clefs du saxophone, me lover sur une cymbale, et puis tout d’un coup sauter sur les cordes du piano, c’était fou ! Mais ce qui était encore plus fou, c’était le son et l’énergie de ce que j’entendais. J’étais stupéfait, littéralement transporté et pouvant pour la première fois entendre mes tant aimés Edward, Laurent, Fabrice, Frederick et Arnaud avec une oreille extérieure. J’avais bien conscience auparavant que mon groupe avait une énergie et une alchimie qui lui étaient propres, mais dans ce rêve, l’ADN de Supersonic est devenu une sensation physique, il s’est inscrit dans ma chair. A mon réveil, une porte s’était ouverte, grande ouverte, cela m’est apparu comme une évidence, il ne suffisait que d’écrire des prétextes, ou plutôt des pré-textes, des terrains de jeu pour mes 5 camarades, dans lesquels nous inventerions le texte, la narration, les discussions et la matière tous ensemble . Il ne me fallait dessiner que le cadre. La problématique remplie d’égo du compositeur devant « sa vie, son oeuvre » et sa page blanche avait miraculeusement disparu ! Le mois suivant, béat, j’ai travaillé jour et nuit, pour écrire toutes ces idées, les transes et les mélodies qui arrivaient comme par magie ; habité seulement par l’envie de faire vibrer et sonner le groupe, comme nous l’avons fait avec tant de bonheur ces 3 dernières années, en concerts à travers le monde. C’est ainsi qu’est né le tome 2 de l’histoire de Supersonic, oiseau parti du nid divin de Sun Ra et qui maintenant prend son envol: il s’appelle Sons Of Love. » Thomas de Pourquery

Ce spectacle bénéficie de l’aide du CNV
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Montpellier Theatre de la Vignette

Nasheet Waits

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“Nasheet Waits’ elliptic pulse and bursts of invective” – Financial Times

 

 

“Son nom sitôt cité dans une conversation entre amateurs, les yeux s’éclairent, la parole se libère. […] tous vous le certifieront : Nasheet Waits est à 45 ans au sommet de son art.” – Libération

 

 

The love for an unconventional jazz, protesting and passionate, engaging and curious …

Far from being a burden, lineage is essential to a musician’s identity. Considering his father Freddie’s exemplary career path, New York drummer Nasheet Waits has chosen the best way: learn from it in order to grow up and do better.

If Freddie has been able to work with the greatest musicians of his day, the same can be said about Nasheet: launched in the great bath by Max Roach inside his M’Boom band, Nasheet quickly starts back-to-back high-level partnerships (Andrew Hill, Sonny Rollins, David Murray, Wadada Leo Smith, Steve Coleman, Michel Portal…) as a sideman or inside Equality, Tarbaby and 3rd Eye, his own projects.

At age 45, one of the most influential drummers of the current jazz scene, he fits into the evolution of a full, subtle and fiery drumming that is far from the traditional accompaniment codes. A complex use of polyrythm that paves the way for a genuine and freer expression. An approach that can be found on Between Nothingness And Infinity, the first real album of his quartet, Equality, alongside Darius Jones (saxophone), Mark Helias (double bass) and Aruan Ortiz (piano).

An obvious casting indeed, considering how much these four musicians share this love for an unconventional jazz, both protesting and passionate but also engaging and curious. One can find, in Between Nothingness And Infinity, this search for a precious balance between tradition and modernity, filled with a fighting spirit that transpires from every pore of the musicians’ skin.

If the black empowerment icon that Fanon stands for is a cherished image for Nasheet Waits (already referred to in the Tarbaby project, along with Nobel Literature Prize Toni Morrison), it is implicit in every movement of the record. One can detect by turns moments of deep stirs, specific to the intense questionings that run through “Black Skin, White Masks” and Morrison’s novels, as well as real moments of transient grace, hanging, when the mind lets go.

“When I opened my eyes yesterday I saw the sky in total revulsion. I tried to get up but the eviscerated silence surged toward me with paralyzed wings. Not responsible for my acts, at the crossroads between Nothingness and Infinity, I began to weep.”
Frantz Fanon
Black Skin, White Masks

 

Batteur parmi les plus influents du jazz actuel, Nasheet Waits s’inscrit dans l’évolution d’un jeu de batterie plein, subtil, fougueux, bien en dehors des codes d’accompagnement traditionnels. Il alimente le flux musical par un jeu reposant sur un usage complexe de la polyrythmie, une approche très particulière de l’instrument qui ouvre la voie à une expression plus libre et authentique, une musique communicative qui révèle un attachement profond aux racines du Jazz, de ses créateurs et compositeurs. L’album « Equality » est né favorablement lors d’une tournée printanière en Italie en 2007. Le quartet était composé alors de Logan Richardson aux saxophones alto et soprano, de Jason Moran et de Tarus Mateen, tous deux musiciens également dans le groupe Jason Moran & The Bandwagon. « Equality» s’est vu enregistrer une première proposition en 2009 chez Fresh Sound Records, intitulé « Alive At MPI » et a entrainé des pianistes virtuoses tels que Stanley Cowell et James Hurt pour plusieurs tournées en Europe de 2007 à 2013. Il a notamment enregistré et tourné fréquemment en Afrique, en Europe, au Japon, au Canada, en Amérique du Sud et aux Etats-Unis. En plus de ses prestations, de ses enregistrements et de ses tournées, Nasheet Waits enseigne la batterie et la musique avec une approche bien personnelle. Tout en défendant la nécessité d’équilibrer entre el traditionnel et le modernisme, Nasheet Waits rencontrent de nombreux musiciens, aussi en Master class. Il est dévoué à explorer son rôle et son parcours artistique dans la musique.

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Nasheet Waits
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Murray, Allen, Carrington, Power Trio

  • Murray, Allen, Carrington, Power trio
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David Murray, Geri Allen and Terri Lyne Carrington Create a Dynamic New Trio With a Fresh Approach

Motéma Music is proud to present Perfection, the debut recording of the recently formed jazz supergroup comprised of reedman David Murray, pianist Geri Allen and drummer Terri Lyne Carrington. Perfection, recorded just a week after the passing of Ornette Coleman, is named for a previously unrecorded Coleman composition, which Murray arranged in tribute to his great friend and teacher.

The artists dedicated songs on the album to Coleman and to other heroes who passed on in 2016: Marcus Belgrave, Charlie Haden and Father Peter O’Brien, the prominent confidante/manager of Mary Lou Williams. Williams had a particularly strong influence on the life and music of Geri Allen. Terri Lyne Carrington dedicated one of her songs to Wayne Shorter, one of the greatest living jazz masters, who Carrington had the honor of touring with in 2011.

Each of Perfection’s leaders – Murray, Allen & Carrington – has their own loyal following and a sterling reputation for prolific creativity and innovation. In addition to each member’s considerable artistic achievements, each musician is a renowned educator. This debut marks a new chapter in the long history of successful collaborations between Allen and Carrington and this is the first collaboration that adds the unique sound of Murray. It becomes immediately evident that the chemistry between the three musicians is fantastic.

A collection of deeply poetic and expansive 21st century jazz, the recording showcases original compositions by each artist and arrangements created specifically for this unusual configuration of saxophone, piano and drums. The group first gathered for a performance at Winter Jazzfest in New York City in January 2015. The rousing response of that first collaboration led to more touring and to this powerful recording. As explained in their collective liner notes, “We wanted to present a ‘power house’ of sound that represents who we are individually and collectively, and that exemplifies our affiliation with the traditions of jazz, as well as the influence of what’s happening in jazz today. It’s important for artists to continuously stretch themselves in order to continue to have something to say and to share.” They go on to explain, “This trio, without bass, challenges each of us to engage ourselves differently than we have done in other groups or musical formats.”

The long-developed chemistry between Allen and Carrington is amply evident in this recording as they effortlessly work together to fill the role traditionally played by the bass – namely to create the bridge between the rhythm section and melodic lead. Occasionally Murray will step in to create a bass groove with the lower notes on his bass clarinet or tenor sax, making for a unique type of post-bop recording. While the individual voice of each composer is evident, the three styles combine to create a notably greater whole.

Each of these artists has a reputation for exploring and expanding the boundaries of jazz. The recent losses of Ornette Coleman and of Allen’s mentor, Marcus Belgrave, represent an emotional time of reckoning. It is now up to Murray, Allen and Carrington to uphold and carry on the traditions of social commentary and free jazz, instilled in them by these elders. It was Murray’s idea to bring the song “Perfection” to the program. He learned it in the 1970s from Bobby Bradford, who transcribed it directly from Coleman’s playing in the early ‘60’s. Since Coleman had never recorded it, Murray suggested the trio record it as a tribute and invite three colleagues to join them for it: trombonist and band leader Craig Harris, who had performed and recorded frequently with Coleman; bassist Charnett Moffett, who was not only named after Coleman but also grew up around him, performed with him and is a chief disciple of Coleman’s Harmelodic theory; and young trumpeter Wallace Roney, Jr, who has his own connections to Coleman’s teachings through his mother Geri Allen.

“There are certain extraordinary musicians upon whose shoulders we stand, both because their work is of the highest musical standard and because their ability to teach and inspire is exceptional. This encourages all of us to seek our own excellence and be the best we can be,” writes the trio in their artist statement. “‘Perfection’ is our tribute to the great innovator Ornette Coleman. We will miss him dearly, but the power of his legacy continues through all that he has impacted and will affect many generations to come.”

This inspiring musical offering documents a unique triangle of forces and brings a new and exciting energy to jazz while honoring its past in a way that is beautiful, moving and thought-provoking.

 

David murrayDavid Murray

 

 

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Avishaï Cohen

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    Avishaï Cohen
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“An extravangantly skilled trumpeter […] relaxed and soulful […] he deftly combined sensitivity and flair.” – The New York Times

 

Trumpeter Avishai Cohen- voted a Rising Star in the 2012 DownBeat Critics Poll – has earned renown as a musician with an individual sound and a questing spirit, an ever-creative player-composer open to multiple strains of jazz and active internationally as a leader, co-leader and sideman. The New York Times described him as “an assertive, accomplished trumpeter with a taste for modernism” as well as “an extravagantly skilled trumpeter, relaxed and soulful. . . deftly combining sensitivity and flair.”

 

“une musique à gonfler les âmes.” – Libération
Etoile montante du jazz pour le DownBeat Magazine en 2012 et 2013, trompettiste ultra-solicité, Avishai Cohen s’apprête à sortir son septième album en tant que leader, le troisième avec son Electrifying Trio Triveni. A ses côtés le bassiste Reinier Elizarde Ruano et l’essentiel batteur Nasheet Waits pourraient difficilement être plus à l’écoute de la sensibilité du trompettiste. En live le trio s’est déjà fait remarqué : « Cohen et ses acolytes improvisent ensemble si merveilleusement qu’ils sont souvent stupéfaits de leurs propres inventions collectives” (DowBeat). L’album « Dark Nights » inclut des invités prestigieux parmi lesquels Anat Cohen (clarinettiste d’exception et soeur d’Avishai), le pianiste Gerald Clayton (nominé aux Grammy) et la chanteuse couronnée de succès Keren Ann.

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Les Amazones d’Afrique

“A triumph.” – The Guardian

 

“un « girl power » rayonnant” – Le Monde

 

 

The first all-female supergroup of West Africa, the collective Les Amazones d’Afrique, is an event for world music.

Whether they are undisputed stars or well-kept secrets, the musicians involved in this project are all among the most acclaimed voices in West African music: Kandia Kouyaté, Mamani Keita, Rokia Koné, Mariam Doumbia (of Amadou and Mariam), Mariam Koné, Aminata Danté (+ Nneka and Angélique Kidjo as special guests). The collective elegantly mixes generations and energies and perpetuates the Mandingo tradition by giving it the power of African megacities.

An «All-Star,» you might think. Yes, but not only that. Inspired by the formidable and mysterious warriors of Dahomey, the greatest Malian singers and musicians of the moment come together to fight against violence towards women. They fight for freedom, being female, and being a musician, in Africa and elsewhere. The voices of these divas can break the chains and take over your heart.

Soul, breath, and one challenge: Turning their tour into a fighting tool for women.

‘A triumph’
The Observer (UK)

‘A proud, forceful demonstration of the strength and variety of modern African music’
The Independent (UK)

‘Storming set by all-star African supergroup’
Mojo (UK)

‘Revolutionary, pancultural fervour from West African collective’
Q Magazine (UK)

‘’An off-the-hook dance party over talking drum elation’’
Rolling Stone

‘’The music is unbowed declarative’’
Noisey / Vice

‘’One of year’s most moving and socially charged records’’
OkayAfrica

 

Premier supergroupe féminin d’Afrique de l’Ouest, le collectif les Amazones d’Afrique est un événement pour la musique mondiale.

Stars incontestées ou secrets mieux gardés, les musiciennes qui participent à ce projet figurent toutes parmi les voix les plus acclamées de la musique ouest-africaine : Kandia Kouyaté, Mamani Keita, Rokia Koné, Mariam Doumbia (moitié d’Amadou et Mariam),Mariam Koné, Aminata Danté (+ Nneka and Angélique Kidjo en invité spéciaux guests). Avec élégance, le collectif brasse les générations et les énergies et perpétue la tradition mandingue en lui insufflant l’électricité des mégalopoles africaines.

Un « All-Star », diriez vous. Oui, mais pas seulement. Inspirées des redoutables et mystérieuses guerrières du Dahomey, les plus grandes chanteuses et musiciennes maliennes actuelles se rallient à la lutte contre les violences faites aux femmes. Lutte pour la liberté, d’être femme, d’être
musicienne, en Afrique, et ailleurs. Les voix de ces divas sont de celles qui brisent les chaînes et emportent les cœurs.

De l’âme, du souffle, et un pari : faire de leur tournée un outil de lutte en faveur des femmes.

 »une énergie contagieuse […] un triomphe »
The Observer (UK)

 »Une démonstration fière et vigoureuse de la force et de la variété de la musique africaine moderne »
The Independent (UK)

 »un set ébouriffant par un all-star africain »
Mojo (UK)

 »Un collectif africain à la ferveur révolutionnaire et panculturelle »
Q Magazine (UK)


 »Leur son est à l’image de ces femmes puissantes, dans l’énergie virtuose de voix inspirées, dans le rythme d’un afrobeat nourri de tradition mandingue »
La Croix

 »un «girl power» rayonnant et bariolé »
Le Monde (FR)


 

Les Amazones d’Afrique – Dombolo (feat. Angélique Kidjo)

Les Amazones d’Afrique – I Play the Kora (english subtitles)

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Ester Rada

The new soul of the Middle East

“Ester Rada is one of Israel’s rising musical stars”BBC News

Three years have elapsed since the release of Ester Rada’s debut album; three years in which she performed on all five continents. Relentless, she took every imaginable stage: from big festivals in France to a club in Mauritius, from the Olympics in Rio to Glastonbury. Everywhere in the globe where she landed, she would receive coverage from some of the most relevant media, like the BBC in UK, or Liberation in France. The experiences of her three year journey have become the seeds for new songs, which bore fruit in airplanes, hotel rooms and behind-the-scenes. The new repertoire will allow us to see Rada through Different Eyes, as she takes us for a deep dive into soul and R&B. If the previous album expressed the diverse palette of all the influences in Rada’s musical world, from jazz to Ethiopian music, Different Eyes moves us through two or three essential colors, leading us into an ethereal groove capsule. Rada and producer SHUZ (Yoni Levin) combine live tools and electronics to bring the repertoire to the here and now, and Rada’s unique vocals inject emotion into every note and word. The release of the new album coincides with one of the busiest periods in Rada’s career. In addition to her usually busy concert schedule, she is currently presenting the cultural TV program « Culture Club » on Israeli channel 11. The album « Different Eyes » is published by FIT FIT RECORDS.

“Ester Rada le groove israélien venu d’Ethiopie” FIP

Trois années se sont écoulées après la sortie de son premier album, trois années durant lesquelles elle a joué sur les 5 continents. De ces expériences de voyage, elle a ramené des graines pour de nouvelles chansons qui ont germé dans des avions, des chambres d’hôtel et en coulisses, pour donné aujourd’hui ce nouvel album « Different Eyes ».
Le son d’Ester Rada est une réflexion profonde sur l’héritage transculturel de cette israélienne née d’origine éthiopienne. Avoir grandi dans une famille juive très religieuse et dans des conditions plus que modestes en Israël a donné à Rada la furieuse envie de changer son mode de vie et de réaliser ses rêves de musique.
Influencée par les grandes voix de la soul telles que Nina Simone, Ella Fitzgerald ou encore Aretha Franklin, par des divas black plus contemporaines telles que Eryka Badu, Lauryn Hill ou Jill Scott, Rada se démarque comme la nouvelle voix soul qui fait frémir le monde entier. Les critiques décrivent son genre comme une rencontre où « s’entremêlent Ethio-Jazz, funk, soul et R&B, avec des nuances de groove issues de la black music ».
Peu de temps après la sortie de son premier album, le monde a découvert le potentiel de cette chanteuse, compositrice, interprète et être rayonnant qu’est Ester Rada. La popularité croissante d’Ester l’a conduite a tournée aux Etats-Unis, au Canada et en Europe, où elle participe notamment au très respecté GlastonburyFestival . Elle a également fait la première partie d’Alicia Keys en Israël, devant 8500 personnes, recevant des critiques élogieuses de la star : « Elle est incroyable » et elle revient aujourd’hui avec ce nouvel album sorti chez Fit Fit records.

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Barcelona Born Centre Cultural / Mas i Mas Festival
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Saint Cast le Guildo Un air de jazz
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Ankara Ankara Palas
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Prague Metronome Festival
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Ester Rada
Moscow Usadba Jazz Festival

Salif Keita

 
Salif Keita gave up a lot to pursue his dreams of a career in music.
Born albinos, he was cast out by his family and ostracized by the community. In Mandinka culture albinism is seen as a sign of bad luck and there are beliefs that it’s a mark of the devil. From a royal lineage, with ancestral roots going back to Soundjata Keita, the founder of the Malian Empire in 1240, Keita was disowned by his father after announcing his plans to play music. Keita’s dreams, however, were too strong to be shattered.
Moving to the capitol city of Bamako in 1967, he was soon playing in nightclubs with one of his brothers. Within two years, he was invited to join the Rail Band. Then he joined Kate Manfila and formed Les Ambassadeurs, one of the most important West African bands that open the way for the following generations of African musicians. The golden voice of Africa’ Salif Keita has been at the forefront of modern Malian music for many years.
Keita has extended musical frontiers and carved out a distinctive musical voice, in which rock, funk and jazz combine with the deepest West African griot traditions. After a first decade spent travelling through Africa and building his reputation, he makes himself known on the French scene in the mid 80s.
He has received musical as well as political and humanitarian acknowledgements, and, throughout his life, has tried to transmit a message of peace through his stunning music that has dictated the standards of contemporary Mandingo creation. The acoustic tour recounts Salif Keita’s career, picking up classics from his impressive repertoire. After a few years spent exploring new musical styles and mixing his music with electronics, he returns today to a more intimate and acoustic formula, a return to his roots, and offers a sensational retrospective on his entire career, which demands utmost respect. Accompanied by four musicians (guitar, kora, n’goni and percussion) and two backing vocalist, Salif Keita presents an intimate show and plunges the audience in the heart of modern Mandinka soul.

Salif Keïta est né le 25 août 1949, à Djoliba (Mali), sur les rives du fleuve Niger. Il est albinos et échappe de peu, ainsi que sa mère, à la répudiation de la part de son père. Salif connaît une enfance isolée, en proie aux quolibets de ses contemporains. Son désir de devenir chanteur (un statut réservé à la caste des griots) se heurte, malgré sa voix claire et puissante, à une fin de non recevoir de la part de sa famille princière. Keïta quitte par conséquent sa famille en 1967, pour s’installer à Bamako, où il se produit sur les places de marché, dans les cafés, puis dans différentes discothèques, en compagnie de l’un de ses frères. En 1969, il rallie le Rail Band, groupe du saxophoniste Tidiani Koné auquel appartient
également, quelques mois plus tard, le musicien de kora et chanteur Mory Kanté. Le succès du Rail Band se construit sur des airs traditionnels interprétés de façon moderne, et les musiciens portent la bonne parole de cette musique hybride dans toute l’Afrique de l’Ouest. Le groupe abrite également le joueur de balafon et de guitare guinéen Kanté Manfila, qui devient l’ami de
Keïta. C’est avec ce dernier, et quelques autres, que le chanteur s’installe en 1973 au motel de Bamako, puis à Abidjan (Côte d’Ivoire), ville plus développée, techniquement et culturellement. Tous fondent alors Les Ambassadeurs Internationaux, dans lequel se mêlent des influences musicales maliennes, cubaines, et zaïroises.
C’est une rencontre qui se trouve à l’origine de son dernier albumTalé, celle qu’il a faite en janvier 2011 avec le compositeur français Philippe Cohen Solal, du célèbre Gotan Project. Après des années à explorer différents styles musicaux avec briot, Salif Keita a décidé de revenir aujourd’hui à une formule plus intimiste et acoustique, un retour à ses racines qui offre aux auditeurs une rétrospective sensationnelle sur sa carrière. Accompagné par quatre musiciens et deux choristes sur scène, Salif plonge les spectateurs au coeur de l’âme moderne de la musique
mandingue.

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Pont de Cé Les Traver'cé Musicales
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Malaga Teatro Cervantes
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12
Aug
2017

Saul Williams

“Few have tackled the intersection of identity and expression quite like Saul Williams” – CNN

 

MartyrLoserKing has just tagged his screen name onto the White House lawn via remote drone. He’s working from a remote e-waste camp in Burundi, Central Africa, neighboring the more well-known Rwanda, with equipment scrapped together from our old Dell PC towers and Sidekick IIs. Homeland Security, the NSA, and the CIA are tracing his signal back to a place that isn’t on the map or on the grid, and the alert level rises when he hacks NASA just to show he can do it.

 

 

“Speaker libre, sombre, hacktiviste d’un monde globalisé où les révolutions gonflent et s’essoufflent, Saul Williams est déjà un survivant, taulier de la scène de Chicago et gardien spoken word de Brooklyn. ” – Les Inrockuptibles

 

MartyrLoserKing vient de taguer son pseudonyme sur la pelouse de la Maison Blanche à l’aide d’un drone. Il travaille dans un camp de déchets électroniques au Burundi, en Afrique centrale, voisin du plus connu Rwanda, et réassemble du matériel informatique, comme nos vieilles tours PC Dell et Sidekick IIs. La Homeland Security, la NSA et la CIA tracent son signal à un endroit qui ne figure pas sur la carte, et il fait monter niveau d’alerte en piratant la NASA juste pour montrer qu’il en est capable.

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Jyväskylä Lutakko
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Vaulx en velin A vaulx Jazz
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Obonjan Island Otokobonjan
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Vélizy Villacoublay L'Onde
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Saul Williams
Frankfurt Main Das Bett
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Athens SNFCC Festival
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Saul Williams
Cork Cyprus Avenue
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Dublin Sugar Club
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Saul Williams
Manchester (UK) Islington Mill Islington Mill
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Bristol The Fleece
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Saul Williams
Bristol The Fleece
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London Afropunk / Printworks
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Saul Williams
Sines Festival Musicas do Mundo
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Madrid Cuesta de Moyano
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Créteil Maison des Arts
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25
Nov
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Saul Williams
Nantes Le Lieu Unique

David Murray

For many enthusiasts, David Murray is already a jazz legend, if we look at the number of albums he has recorded, of concerts he has performed and at the number of awards with which his career to date has already been crowned (Grammy Award, Guggenheim Fellowship, Bird Award, Danish JazzPar Prize…). However, just over a quarter of a century into his career, his music still expresses the verve and inspiration of youth, throughout a career which is prolific as much in terms of output as in terms of musical orientation (from the World Saxophone Quartet, of which he is one of the founders, to his octet, not forgetting his big band and the encounter with the Gwo Ka from Guadeloupe, amongst many other groups and creations), all of it with the greatest musicians. David Murray goes down as a worthy successor for some of the biggest names in jazz, and he is now contributing to the rise of young talents such as Lafayette Gilchrist, a young pianist who has already been widely acclaimed by the critics.

« Be Bop and shut up! An impossible task for the young David, at the time of the free jazz and civil rights movements, the last adventure of the end of century jazzman. Impossible, too, for the son of Baptist parents, discovering the Negro spiritual style in the time of Coltrane and during Ayler’s best period, not to be political right down to his tenor-playing fingertips. David Murray, now in his fifties, has 130 albums to his name and contributions to around a hundred other recordings as a guest artist behind him.

At the end of the 1990’s, David Murray was referred to in terms of fusion, of world music, and even of Pan-Africanism, ever since he took on a backwards tour through the Caribbean and the ‘little’ Americas, via South Africa and Senegal. Before setting off on this journey, David Murray jumped the gun somewhat for a jazz musician. Born in Oakland, he grew up in Berkeley and studied with Catherine Murray (his mother, an organist), Bobby Bradford, Arthur Blythe, Stanley Crouch and many others until the 2nd March 1975 when he left Ponoma College in Los Angeles for New York, which he made his base.

In New York, he met many new musicians and musical styles: Anthony Braxton, Don Cherry, Julius Hemphill … Within Ted Daniels’ Energy Band, he worked with Hamiett Bluiett, Lester Bowie and Frank Lowe. In 1976, after a first European tour, David Murray set up one of his mythical groups, the World Saxophone Quartet with Oliver Lake, Hamiett Bluiett and Julius Hemphill. From Jerry Garcia to Max Roach, via Randy Weston and Elvin Jones, David Murray continued working with ever more artists and making ever more recordings. From 1978 onwards, he entered into a period of intense creativity, one flexible grouping of musicians following on from another.

At the same time, he was writing film music (‘W Dubois’, 1989, ‘Dernier Stade’, 1996 and ‘Karmen Gaye’ in 2000), working with the ‘Urban Bust Women’ dance company (‘Crossing Into Our Promise Land’ in 1998) and regularly working with Joseph Papp of the New York Public Theatre (‘Photograph’, 1978 and ‘Spell Number’ in 1979) and with Bob Thiele, founder of Impulse and Red Baron, who became his producer in 1988 and signed him with Columbia. Thiele produced more than ten of his albums on Red Baron up until his death in 1997.

David Murray also likes rearranging the works of great composers, as in his project ‘The Obscure Work of Duke Ellington’ in 1997 (arranged for a big band and a 25-piece string orchestra) or his re-transcription of a Paul Gonsalves solo ‘Tribute to Paul Gonsalves’ in 1990 (with the Boston Philharmonic Orchestra). More recently, using a decet and 12 strings, he updated the classics of Nat King Cole’s Hispanic songbook with ‘Cole in Spanish’ in 2009.

In addition to this, he has written two operas: ‘The Blackamoor of Peter the Great’ in 2004 for strings and voices, based on a selection of twenty poems by Pushkin, and ‘The Sysiphus Revue’, his 2008 bop opera sung by a gospel choir on an Amiri Baraka libretto.

In 2006, his Black Saint Quartet was reborn with ‘Sacred Ground’, on which Cassandra Wilson can notably be heard. The compositions on this album pay tribute to one of his most auspicious periods with the mythical Italian label Black Saint, and to the republishing of this entire catalogue in digital format on the major digital download sites. This work was moreover followed by the rediscovery of 26 rare tracks recorded on the DIW label, which are now available exclusively for downloading on Emusic, and are a good way for fans to get the measure of the scale of a career which already is dizzying.

In 2010 he will be back out on tour with the Gwo Ka Masters. After giving 200 concerts all around the world during their last tour (2005), the group will set off again to promote their fourth album, ‘The Devil Tried to Kill Me’, recorded in 2007 at the mythical Deb’s Studio in Pointe-à-Pitre with the great Taj Mahal.

At 54 years of age, David Murray has a rosy future ahead of him, and a successful past behind him and, since a glimpse of this exceptional career with a very promising future was felt to be essential, several directors have brought his musical career to the screen, in ‘Speaking in Tongues’, a saga which follows him for ten years from 1978 to 1988 or in ‘Jazzman’, in 1997. In 2007, Arte produced ‘Saxophone Man’, in a reference to the title of the Stanley Croutch play written at the time of Pomona College: a year’s filming from New York to Pointe-à-Pitre, via Oakland and Paris, a year of images which reflect the David Murray of today, a citizen of the world.

 

David Murray incarne aux yeux du public et des programmateurs du monde entier l’image d’un homme au talent indiscutable car maintes fois récompensé (Grammy Award, Guggenheim Fellowship, Bird Award, Danish JazzPar Prize, Guiness Jazz Festival….), qui s’exprime à travers une carrière prolifique tant en termes de productions que de d’orientations musicales (du World saxophone Quartet dont il est l’un des fondateurs, à son octet, en passant par son big band et la fusion jazz caribéenne des Gwo Ka Masters), le tout avec les plus grands musiciens. David Murray s’inscrit comme le digne successeur des plus grands noms du jazz, et c’est maintenant lui qui contribue à l’essor de jeunes talents comme Lafayette Gilchrist, jeune pianiste déjà plébiscité par la critique.

« Sois Bop et tais-toi! Impossible pour le jeune David, contemporain de l’état civil du free, la dernière aventure du jazzman fin de siècle. Impossible pour ce fils de méthodistes, qui retrouve dans l’espace coltranien et les fleurs du mal ayleriennes la figure de nègre spirituel, de ne pas être politisé jusqu’au bout des ongles qui se posent sur son ténor. David Murray a aujourd’hui la cinquantaine et plus de 250 albums derrière lui.

Dans la dernière ligne des années 90 on a parlé de fusion, de world music, voire de panafricanisme à propos de David Murray depuis qu’il a entrepris le voyage à rebours à travers les Caraïbes, les « petites » Amériques, via l’Afrique du Sud et le Sénégal ». Avant d’aborder ce voyage, David Murray a brûlé les étapes de l’histoire du jazz : né à Oakland, il grandit à Berkeley et étudie avec Catherine Murray (organiste et mère de David), Bobby Bradford, Arthur Blythe, Stanley Crouch, Margaret Kohn et bien d’autres jusqu’à son départ du Ponoma College (Los Angeles) pour New York où il s’installe en 1975.

A New York ce sont Cecil Taylor, avec qui il joue, et Dewey Redman qui l’encouragent. Là encore des rencontres, d’hommes et de musiques : Sunny Murray, Anthony Braxton, Oliver Lake, Don Cherry. Au sein de l’Energy band de Ted Daniels, il travaille avec Hamiett Bluiett, Lester Bowie et Frank Lowe.

En 1976, après une première tournée européenne, David Murray monte un de ses groupes mythiques, le World Saxophone Quartet (avec lequel il a sorti en 2006 une très remarqué « Political Blues ») avec Oliver Lake, Hamiett Bluiett et Julius Hemphill. Il entre dans une dynamique de créativité intense, enchaînant enregistrements et formations à géométries diverses.

De Jerry Garcia à Max Roach en passant par Randy Weston ou Elvin Jones, David Murray multiplie les rencontres jusque vers 1978, moment où il développe son quartet puis octet et se consacre à ses propres formations. Il n’hésite pas pour autant à se lancer dans d’autres créations puisqu’il fait appel pour différents projets à des cordes (concert au Public Theatre à New York en 1982), des tambours Ka de Guadeloupe (Créole, 1998, Gwotet en 2004 et un nouvel album « The Devil Tried to Kill Me » en 2009), ou à des musiciens et danseurs d’Afrique du Sud (M’Bizo, 1998).

Récemment il s’investit corps et âme dans son Black Saint Quartet, avec « Sacred Ground », album sorti en juin 2007 (Justin Time) sur lequel on peut notamment entendre la voix magique de Cassandra Wilson, album dont les compositions somptueuses rendent hommage à l’une de ses périodes les plus fastes sous le mythique label italien Black Saint, et à la réédition de l’ensemble de ce catalogue en digital sur les grandes plateformes de téléchargement numérique. Ce travail a d’ailleurs été suivi par la redécouverte 26 raretés enregistrées sur le label DIW, désormais disponibles en téléchargement exclusif sur Emusic, comme un bon moyen de permettre aux fans de mesurer l’étendue d’une carrière qui donne déjà le vertige.

Toujours ouvert à de nouveaux territoires, Murray s’attaque ces jours-ci à l’écriture d’un nouvel opéra musical avec Amiri Baraka, après l’hommage à Pouchkine qu’il avait composé en 2005 avec son ami Blaise Ndjehoya. Opéra, qui ne verra pas le jour avant 2009 ou 2010. De quoi s’agit-il ? « Il y aura de la poésie, de la musique et des thèmes. Tiens, j’ai écrit une composition ce matin. Ça va s’intituler You Vote, You Die. »

David Murray n’est donc pas prêt de mettre un frein à son appétit de nouvelles saveurs musicales, pas question non plus d’y mettre une pincée de concession.

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2017
David Murray
St Gallen Klubschule Migros - DUO WITH AKI TAKASE

Mbongwana Star

But in the shanty-villages of Kinshasa, bands are recycled along with everything else. Music and musical instruments, just like fashion, art, jewellery, pedal-power contraptions and motor vehicles, all rise from the inexhaustible scrap heap. Coco and Theo gathered up the necessary parts of a band from the younger generation, crammed them together and started belting out a shambles under the name Mbongwana Star – ‘mbongwana’ meaning ‘change’. They were indeed looking for change, for something new.

 

Mbongwana Star, est un groupe de la République Démocratique du Congo. Parmi ses sept membres, on y retrouve Coco Ngambali et Theo Nzonza, piliers du mythique groupe Staff Benda Bilili. Dans les bidonvilles de Kinshasa, les groupes naissent et se recyclent sans cesse. La musique, les instruments, la mode, la bijouterie, les bidules à pédales ou les véhicules à moteur, tout renaît des inépuisables tas de ferraille. Coco et Théo recrutèrent les éléments fondamentaux du groupe au sein de la jeune génération afin de créer Mbongwana Star – Mbongwana signifiant « Changer ».

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09
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Ivry sur Seine Le Hangar
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