Les Ambassadeurs

Les Ambassadeurs (2014)

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From the early sixties until the mid-seventies, Les Ambassadeurs were the flagship band of new African music.
Their style, mixing ancestral art, salsa, jazz and funk, lit up “world sono”. Today, the return of this super-band does not simply take us back to a golden age. It also symbolises values of freedom and authenticity encapsulated in a sound, the unchanging, haunting groove of Mandinka pop music.


 

¡Todo el poder para el pueblo! Emory Douglas y las Panteras Negras

¡Todo el poder para el pueblo! Emory Douglas y las Panteras Negras (2016)

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Emory Douglas was an integral part of the Black Panther Party, joining as minister of culture in 1967 and designing artwork that became potent symbols of the movement. Although the party ceased to function from 1980, its legacy goes on, as does Douglas’s work in an exhibition at Urbis, Manchester. The collection of newspaper illustrations, posters and pamphlets, of which this is just a selection, all bear his trademark imagery, and hard-hitting slogans, which inspired many to act.

The Guardian


 

La Mambanegra

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La Mambanegra (The Black Mamba) is a powerfull latin music orchestra. Its venom is made of 70s NYC Salsa and elements of Jamaican and Colombian music, Funk and Hip Hop music.
Inspired by the story of an anonymous and mythical heroe of the Barrio Obrero, a popular neighborhood of Cali, who had a series of fantastic advendtures in Cali, La Habana and New York, this orchestra brings a new concept of Salsa and Latin Music to the world.
Highlighted as one of the 5 Colombian bands you need to know by Billboard, La Mambanegra closed the year playing with big acts such as Bomba Estéreo and ChocQuibTown and just received great reviews of their first album El Callegüeso y su Malamaña (Launched in Latin America only), selected as one of the 10 albums of the year by the #1 weekly newspaper in Colombia and various other medias.

Mise en avant comme l’un des 5 groupes colombiens à connaître par la revue américaine Billboard, La Mambanegra (Mamba noir, l’un des serpents les plus venimeux au monde) est sans aucun doute un groupe à suivre de la nouvelle scène colombienne.
Puissant orchestre de musique latine, son venin a pour composantes la salsa new yorkaise des années 70 tout en intégrant des éléments de musique jamaïcaine, de Funk et de Hip-Hop dans une fusion explosive et virtuose. Groupe mystique s’il en est, l’histoire de La Mambanegra est peuplée de personnages fantastiques de la ville de Cali qui évoluent autour un héro anonyme et mythique du Barrio Obrero, le quartier des journaliers de la ville : El Callegüeso. Ce héro est réincarné sur scène par Jacobo Vélez – le leader du groupe (il est également ex-directeur et créateur de La Mojarra Electrica, un groupe charnière pour les nouvelles musiques colombiennes) – qui a reformé La Mambanegra sur les conseils appuyés d’une vieille conseillère croisée lors de déambulations dans le centre de Santiago de Cali. El Callegüeso et la Mambanegra reviennent des limbes de l’oubli, riches des histoires collectées
lors du périple qui a mené notre héro de passager clandestin à bord d’un navire marchand à Buenaventura jusqu’à New York, en passant par La Havane et les santeros qui l’ont sauvé d’une noyade certaine en lui donnant son nom : El Callegüeso.
En résumé, La Mambanegra est un nouveau concept de musique latine et de salsa, une décharge électrique chargée de réalisme magique et d’histoires que seul un pays à la culture aussi riche que la Colombie peut engendrer, une rencontre entre la virtuosité de musiciens reconnus de la scène caleña et les mythes de Santiago de Cali : ¡ 770 mil toneladas de descarga latina !

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PAST CONCERTS
La Mambanegra
31
Jul
2016
La Mambanegra
04
Mar
2017
La Mambanegra
Perth Perth Festival / Chevron Festival Gardens
La Mambanegra
11
Mar
2017
La Mambanegra
Adelaide WomAdelaide / Botanic Park
La Mambanegra
13
Mar
2017
La Mambanegra
Adelaide WomAdelaide / Botanic Park
La Mambanegra
15
Mar
2017
La Mambanegra
15
Mar
2017
La Mambanegra
Adelaide Adelaide Festival Club / Riverbank Palais
La Mambanegra
17
Mar
2017
La Mambanegra
17
Mar
2017
La Mambanegra
New Plymouth Womad Taranaki / Brookland Park
La Mambanegra
18
Mar
2017
La Mambanegra
18
Mar
2017
La Mambanegra
New Plymouth Womad Taranaki / Brookland Park
La Mambanegra
15
Jun
2017
La Mambanegra
Quimper Théâtre de Cornouailles
La Mambanegra
17
Jun
2017
La Mambanegra
La Roche Posay Festival Bailatino
La Mambanegra
21
Jun
2017
La Mambanegra
Quetigny Festival en Quet'd'Ailleurs
La Mambanegra
24
Jun
2017
La Mambanegra
Rotterdam Lantaren Venster
La Mambanegra
25
Jun
2017
La Mambanegra
Amsterdam Amsterdam Roots Festival
La Mambanegra
29
Jun
2017
La Mambanegra
Malmo Folkets Park
La Mambanegra
30
Jun
2017
La Mambanegra
Roskilde Roskilde Festival
La Mambanegra
02
Jul
2017
La Mambanegra
Glynde Love Supreme
La Mambanegra
06
Jul
2017
La Mambanegra
Lugano Estival Jazz
La Mambanegra
07
Jul
2017
La Mambanegra
Rudolstadt Rudolstadt Festival
La Mambanegra
08
Jul
2017
La Mambanegra
Trencin Pohoda Festival
La Mambanegra
14
Jul
2017
La Mambanegra
Manchester Manchester International Festival
La Mambanegra
15
Jul
2017
La Mambanegra
London Omeara
La Mambanegra
15
Jul
2017
La Mambanegra
London Walthamstow Garden Party
La Mambanegra
16
Jul
2017
La Mambanegra
Gent Polé Polé
La Mambanegra
21
Jul
2017
La Mambanegra
Besançon Concerts d'été
La Mambanegra
22
Jul
2017
La Mambanegra
Aix-en-Provence Zik Zac Festival
La Mambanegra
26
Jul
2017
La Mambanegra
Sines Festival Musicas Do Mundo
La Mambanegra
28
Jul
2017
La Mambanegra
Montpellier Festival Radio France Occitanie

Roberto Fonseca

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ROBERTO FONSECA – ABUC

“The most exciting pianist in Cuba has gone back to his roots.” – The Guardian

 

“un pianiste latin-jazz à la virtuosité virevoltante” – Libération

 

 

You thought you knew Roberto Fonseca, the brilliant Cuban pianist who drew attention the first time he appeared at Havana’s International Jazz Festival. He was just fifteen. Maybe you know that he’s an alumnus of Havana’s Superior Institute of Art, and that he released his first solo album in Cuba in 1999 (Tiene que ver). There isn’t a soul who doesn’t know he was Rubén González’ replacement in the famous Buena Vista Social Club, before accompanying Ibrahim Ferrer on a worldwide tour (to play 400 dates and, in the process, win over pairs of ears in untold numbers.) Later, he ran his fingers over the keyboard for Omara Portuondo. Some people have heard him alongside Malian singer Fatoumata Diawara, tracing a link between Cuba and Africa; the outcome of their fertile conversation was an album recorded in 2015 at Jazz in Marciac (At Home, a Montuno/Jazz Village release). And most recently, everybody saw his deserved nomination for a GRAMMY© Award in the category Best Latin Jazz Album. In a word, you thought you knew who he was, more or less.

ABUC is the title of his new album, the eighth one he’s released under his own name to date and the first to appear on the famous impulse! label. It reveals another of his facets: Roberto Fonseca is a storyteller. Teeming with rascally rhythms and burly brass, and woven from allusions, souvenirs and contrasts, ABUC is a kaleidoscope of dancing colours with which Roberto tells a story: the great and rich story of Cuban music, from yesterday to today. Ranging from contradanza and mambo to cha-cha-cha, danzon and bolero, and infused with the spirit of the descarga jam and hip-hop, Roberto narrates this story in his own manner; his tale swarms with subtly veiled references to the past, and he enumerates them in contemporary detours that are intriguing. En route, he prances over the keys of a Hammond organ, the sound of yesterday cutting across the sound of today (a touch of electro), and breaks free from the chronological thread to mingle different periods as the album’s titles come and go or, at times, even inside one and the same piece. Drawing straight lines is not his thing. What Roberto Fonseca prefers is zigzags, jostled readings, versions inverted. You probably noticed that ABUC is a palindrome. It’s CUBA written backwards. So the journey through time proposed here is no linear path: the ‘loop’ notion suits Roberto better.

The album opens and closes with the same theme, orchestrated as an overture and then transformed into a simple piano piece as the epilogue: Cubano Chant, a composition by American jazz pianist Ray Bryant (1931-2011). « Ray Bryant? His name has gone down in history. He dedicated this very beautiful tune to Cuban song. So I wanted to express my gratitude to him by beginning the album with that tune. American jazz, but re-created with the soul of the guaracha », says Roberto. « The union between jazz and our music in Cuba is very significant with regard to the history of music in general. » In inviting trombone player Trombone Shorty to play on this title, he wanted, he says, « to show everything that binds Cuba to New Orleans. » Among many other remarkable guests who add their personal colours to this beautiful journey, besides vocalists Daymé Arocena and Carlos Calunga you can also take pleasure in hearing singers Rafael Lay and Roberto Espinosa Rodríguez from the Orquesta Aragón, trumpeter Manuel « Guajiro » Mirabal, and the famous guajiro singer from the province of Santiago de Cuba, Eliades Ochoa. “Three singers are my heroes, apart from my mother, » says Roberto, « Omara Portuondo, Ibrahim Ferrer and Eliades Ochoa, who I was fortunate to work with on the title Tumbao de la Unidad”. This guajira astutely mingles electro effects and electric guitar with the instruments of Brazilian percussionist Zé Luis Nascimento surrounding the voice and guitar of Eliades. “He sings an appeal for love, a call for peace in the world, and unity. » A dream? “Dreams are goals for which you have to fight a battle that never ends. » Musician, composer, producer, storyteller, and warrior-dreamer.

Patrick Labesse

ROBERTO FONSECA – ABUC

Vous pensiez connaître Roberto Fonseca, brillant pianiste cubain, qui dès l’âge de 15 ans, attirait l’attention sur lui, lors de son premier passage au Festival International de Jazz de La Havane. Vous saviez peut-être qu’il était passé par l’Institut supérieur des arts de La Havane et avait sorti à Cuba son premier album solo en 1999 (Tiene que ver). Il n’avait échappé à personne qu’il avait remplacé Rubén González, au sein du fameux collectif Buena Vista Social Club™ , puis accompagné Ibrahim Ferrer lors d’une tournée mondiale (400 dates, donc encore beaucoup de paires d’oreilles conquises à cette occasion !). Il avait ensuite fait courir ses doigts sur les touches du piano pour Omara Portuondo. Certains l’avaient entendu, en compagnie de la chanteuse malienne Fatoumata Diawara, tracer un trait d’union entre Cuba et l’Afrique (leur fertile conversation avait débouché sur un disque, enregistré à Jazz à Marciac, en 2015, At Home, paru chez Montuno/Jazz Village). Enfin, le public anglo-saxon n’avait pas manqué de saluer sa récente nomination aux GRAMMY© Awards dans la catégorie du meilleur album Latin Jazz. Bref, vous pensiez à peu près cerner qui il était.

ABUC, son nouvel album (le 8 ème paru sous son seul nom à ce jour et le 1 er publié par le fameux label impulse!) révèle un autre aspect du personnage: Roberto Fonseca est un conteur. Foisonnant de rythmes canailles et de cuivres gaillards, tissé d’allusions, de souvenirs et de contrastes, kaléidoscope de couleurs dansantes, ABUC raconte une histoire. La grande et riche histoire de la musique cubaine, d’hier à aujourd’hui. Entre contradanza, mambo, cha-cha- cha, danzon et boléro, esprit de la descarga et hip-hop, il la narre à sa manière, fourmillante de clins d’oeils au passé, tout en se déclinant sous des détours stimulants de contemporanéité. Il croise le son d’hier (gambadant au passage sur un orgue hammond) et celui d’aujourd’hui (avec une touche d’électro), s’affranchit du fil chronologique, mélange les époques au gré des plages, ou au sein même d’un titre, parfois. Tracer des lignes droites n’est pas son truc. Lui préfère les zigzags, les lectures bousculées, inversées. Vous l’aviez sans doute remarqué : ABUC, c’est un palindrome, CUBA, écrit à l’envers. Le voyage dans le temps proposé ici ne suit donc pas un chemin linéaire. L’idée de la boucle, sied davantage à Roberto.

L’album s’ouvre et s’achève sur le même thème (orchestré en ouverture, puis simplement au piano, pour l‘épilogue : Cubano Chant, une composition du pianiste de jazz américain Ray Bryant (1931-2011). « Ray Bryant? Un nom entré dans l’histoire. Il a dédié ce très beau thème, au chant cubain. Alors, j’ai voulu lui exprimer ma gratitude en commençant l’album sur ce thème. Du jazz américain, mais recréé avec l’âme de la guaracha », raconte Roberto. « L’union entre le jazz et notre musique cubaine est très signifiant pour l’histoire de la musique en general. » En invitant le tromboniste Trombone Shorty sur ce titre, il a voulu montrer, dit-il, « tout ce qui lie Cuba et la Nouvelle-Orleans ». Parmi les nombreux autres invités remarquables, venus poser leurs couleurs dans ce beau voyage, outre les vocalistes Daymé Arocena et Carlos Calunga, on croise également avec bonheur les chanteurs Rafael Lay et Roberto Espinosa Rodríguez de l’Orquesta Aragón , le trompettiste Manuel « Guajiro » Mirabal et le célèbre guajiro chanteur de la province de Santiago de Cuba, Eliades Ochoa. « J’ai trois héros parmi les chanteurs, mis à part ma mere, precise Roberto: Omara Portuondo, Ibrahim Ferrer et Eliades Ochoa, avec qui j’ai eu la chance de travailler sur le titre Tumbao de la Unidad ». Une guajira croisant astucieusement effets electro et guitare électrique avec les percussions du Brésilien Zé Luis Nascimento, autour de la voix et de la guitare d’Eliades. « Il chante un appel à l’amour, à la paix dans le monde, à l’unité ». Un rêve? « Les rêves sont des objectifs pour lesquels faut sans arrêt mener bataille ». Musicien, compositeur, conteur et guerrier rêveur.

Patrick Labesse

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NEXT CONCERTS
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14
Nov
2017
Roberto Fonseca
Boulogne Billancourt (FR) Le Carré Belle Feuille
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15
Nov
2017
Roberto Fonseca
Cergy (FR) L'Observatoire
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18
Nov
2017
Roberto Fonseca
Antony (FR) Place au Jazz
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22
Nov
2017
Roberto Fonseca
Amiens (FR) Maison de la Culture
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16
Mar
2018
Roberto Fonseca
Lillebonne (FR) Theatre Juliobona
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21
Mar
2018
Roberto Fonseca
Périgueux (FR) Theatre
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23
Mar
2018
Roberto Fonseca
Foix (FR) L'Estive
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16
May
2018
Roberto Fonseca
Clermont Ferrand (FR) Coopérative de Mai
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17
May
2018
Roberto Fonseca
LE Vésinet (FR) Théâtre du Vésinet
PAST CONCERTS
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23
Nov
2016
Roberto Fonseca
Tournefeuille Le Phare
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29
Nov
2016
Roberto Fonseca
Vélizy Villacoublay Théâtre de l'Onde
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22
Mar
2017
Roberto Fonseca
Lille Le Grand Mix
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26
Mar
2017
Roberto Fonseca
La Rochelle La sirene
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28
Mar
2017
Roberto Fonseca
Metz La Bam
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07
Jul
2017
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Vienne Jazz à Vienne
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09
Jul
2017
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Fontainebleau Fest Django
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15
Jul
2017
Roberto Fonseca
Copenhagen Copenhagen Jazz Festival
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17
Jul
2017
Roberto Fonseca
Nice Nice Jazz Festival
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22
Jul
2017
Roberto Fonseca
Cajarc Africajarc
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25
Jul
2017
Roberto Fonseca
Tabarka Tabarka Jazz Festival
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29
Jul
2017
Roberto Fonseca
Albertville Albertville Jazz Festival
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31
Jul
2017
Roberto Fonseca
Beirut Music Hall
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02
Aug
2017
Roberto Fonseca
Sete Fiesta Sete
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06
Aug
2017
Roberto Fonseca
Marciac Jazz in Marciac
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07
Aug
2017
Roberto Fonseca
Mont saint Michel Jazz en Baie
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13
Aug
2017
Roberto Fonseca
Ile de Ré Jazz au Phare

Mamani Keita

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    Mamani Keita
Whole is something the Malian singer has always been. In the truth of the voice and in the truth of the moment, she gives a very personal touch to the notion of “socially engaged art” : that of a woman who gives into music both body and soul, intensely and voluptuously, the way one dives into the tumultuous and welcoming waves of a river. With Kanou, Mamani Keita strikes a new chord. After the fuzzy electronic, jazz and rock arrangements of her collaboration albums, she comes back, stripped bare and sovereign with a piece of her own making. On this new album, the complicity which unites Mamani Keita to her musicians is reminiscent of the Malian’s unshakeable belief in sharing. She says her independent lifestyle and spirit are not solely a result of self reliance, but also come from the warm colours of feelings and listening to others’ experiences. In bambara, “Kanou” simply translates as “loving”. In the title song, Mamani Keita sings about loving your partner “more than silver and gold”. It is with this generous and compassionate force that Mamani Keita shines through her album.
Entière, la chanteuse malienne l’a toujours été. Dans la vérité du chant et de l’instant, elle donne à la notion d’artiste engagée un sens éminemment personnel : celle d’une femme qui plonge corps et âme dans la musique, voluptueusement et intensément, comme on plongerait dans les eaux à la fois accueillantes et impétueuses d’un fleuve. Avec Kanou, Mamani Keita franchit un nouveau cap, va encore plus loin. Après les foisonnants arrangements électroniques, jazz ou rock de ses disques de collaboration, la voici qui revient comme nue et souveraine, dans une œuvre dont elle a dessiné elle-même le cadre et les lignes directrices. En bambara, « Kanou » signifie « aimer ». Dans la chanson qui porte ce titre, Mamani Keita dit qu’il faut adorer l’être cher « plus que l’or et l’argent ». C’est cette force-là, généreuse, passionnée et électrique, qui irradie tout l’album.

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PAST CONCERTS
mamani
09
Oct
2016
Mamani Keita
Paris Festival d'Ile de France

Andréa Motis & Juan Chamorro

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    Andréa Motis & Juan Chamorro
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    Andréa Motis & Juan Chamorro
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    Andréa Motis & Juan Chamorro
Andrea Motis and Joan Chamorro are an unlikely musical team. Born more than 30 years apart, they hail from two very different and distinct musical generations. And yet they are the two primary figures in a series of projects in their hometown of Barcelona since 2010. In less than five years, Motis and Chamorro have set their city and other parts of Europe ablaze with the energetic sounds of jazz from either side of the Atlantic. Since they began collaborating, Motis and Chamorro have recorded four albums together, 5 with the Sant Andreau Jazz Band, 7 more with different projects, toured throughout Europe and South America, and have worked on stage or in the studio with a variety of high-profile musicians, including Dick Oatts, Scott Hamilton, Ken Peplowski, Scott Robinson, Terrell Stafford, Wycliffe Gordon, Jesse Davis, Bobby Gordon and many others. Along the way, they have received numerous awards and accolades for their artistic endeavors. In 2011, they received an ARC Award for Best New Artist (2011) and an Artist of the Year Award from the Enderrock Jaç Awards. In addition to the awards, they have also received nominations by some of the most prestigious music organizations in Europe: Best Group of the Year (ANJIM, 2011), Best Jazz and Blues Group (Arc Awards, 2011), and Best Theater and Concert Hall Tour (ARC Awards, 2011). And yet, for all of their successes, their story is a simple one that begins with little more than a teacher, a student, and a shared passion for music in general and jazz in particular.

 

Andrea Motis et Joan Chamorro forment un duo musical improbable. Avec plus de 30 ans de séparation, ils proviennent de deux générations musicales différentes. Pourtant ils sont les deux protagonistes d’une série de projets initiée en 2010 dans leur ville natale, Barcelone. En moins de cinq ans, Motis et Chamorro ont conquis les publics de Barcelone et de toute l’Europe avec leur son énergique issu du jazz transatlantique. Depuis le début de leur collaboration, Andrea et Joan ont enregistré quatre albums ensemble, cinq avec le Sant Andreu Jazz Band et sept de plus avec différentes formations, sont partis en tournée à travers l’Europe et l’Amérique du Sud et ont joué sur scène et en studio avec beaucoup de musiciens notables comme Dick Oatts, Scott Hamilton, Ken Peplowski, Scott Robinson, Terrell Stafford, Wycliffe Gordon, Jesse Davis, Bobby Gordon et beaucoup d’autres. Ils reçoivent de nombreux prix et récompenses pour leur élan artistique. En 2011, ils reçoivent le prix du meilleur nouvel artiste ARC et celui de meilleur artiste de l’année de la part de Enderrock Jaç Awards. En plus des récompenses, ils ont également été nominés par quelques uns des plus prestigieux rendez-vous musicaux européens : Meilleur groupe de l’année (ANJIM, 2011), Meilleur groupe Jazz / Blues (Arc Awards, 2011) et meilleure tournée (Arc Awards, 2011). Au-delà de leur succès, leur histoire est simplement celle d’un professeur et d’une étudiante qui ont en commun une passion pour la musique et pour le jazz en particulier.

 

Fatoumata Diawara

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    Fatoumata Diawara
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    Fatoumata Diawara
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    Fatoumata Diawara
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    Fatoumata Diawara
The Malian singer Fatoumata Diawara (aka Fatou) was born in Africa in 1982. As a child she became a member of her father’s dance troupe and was a popular performer of the wildly flailing didadi dance from Wassoulou, her ancestral home in western Mali. She was an energetic and headstrong girl and at the age of twelve her refusal to go to school finally prompted her parents to send her to live and be disciplined by an aunt in Bamako. She was not to see her parents again for over a decade.
Her aunt was an actress, and a few years after arriving, Fatou found herself on a film set looking after her aunt’s infant child. The film’s director was captivated by Fatou’s adolescent beauty and she was given a one line part in the final scene of the film ‘Taafe Fangan’ (‘The Power of Women’). This led to her being given a lead role by the celebrated director Cheick Omar Sissoko in his 1999 film ‘La Genèse’ (Genesis).
At the age of eighteen Fatou travelled to Paris to perform the classical Greek role of Antigone on stage. After touring with the production she returned to Mali where she was given the lead in Dani Kouyaté’s popular 2001 film ‘Sia, The Dream of the Python’. The film tells the story of a West African legend called Sia, a young girl who defies tradition. To many in Mali, Guinea, Senegal and Burkina Faso, Fatou is Sia thanks to the film’s enormous success throughout the region. Offers for further acting roles poured in but Fatou’s family wanted her to settle down and marry and forced her to announce, live on Malian television, that she was abandoning her career as an actress.
In 2002 Jean-­‐Louis Courcoult, the director of the renowned French theatre company, Royale de Luxe, travelled to Bamako to offer Fatou a part in his new production. An unmarried woman is considered a minor in Malian society so her family’s permission was required. They refused. After much soul searching Fatou took the daring decision to run away and at Bamako airport she managed to board a plane for Paris, narrowly escaping the pursuit of the police who had been alerted to the girl’s ‘kidnapping’.
With Royal de Luxe Fatou performed a variety of roles around the world including tours in Vietnam, Mexico and throughout Europe. During rehearsals and quiet moments she took to singing backstage for her own amusement. She was overheard by the director and was soon singing solo during the company’s performances. Encouraged by the reception from audiences she began to sing in Parisian clubs and cafes during breaks from touring. Here she met Cheikh Tidiane Seck the celebrated Malian musician and producer who invited her to travel with him back to Mali to work on two projects as chorus vocalist; ‘Seya’ the GRAMMY nominated album by Mali’s star Oumou Sangaré and ‘Red Earth’ the GRAMMY winning Malian project by American jazz singer Dee Dee Bridgewater. When the albums were released Fatou toured worldwide as singer and dancer with both projects.
On her return to France Fatou took the role of Karaba in the popular touring musical ‘Kirikou and Karaba’. She was encouraged to take the role by her friend Rokia Traore who also inspired her to take up the guitar: « To me it was a wonderful and daring thing: a Malian girl with an acoustic guitar. Why should the guitar be only for men? » Fatou bought herself a guitar and started to teach herself, and at the same time began to write down her own compositions.
She made the decision to dedicate herself to her passion, music. She worked to complete an album’s worth of songs and started recording demos for which she composed and arranged all the titles, as well as playing guitar, percussion, bass and singing lead and harmony vocals. An introduction from Oumou Sangaré resulted in a record deal with World Circuit and the recording of her debut album.
Between recording sessions she found time to collaborate on Damon Albarn’s Africa Express and contribute vocals to albums by Cheikh Lô, AfroCubism, Herbie Hancock’s GRAMMY winning Imagine Project and Orchestra Poly-­‐Rythmo de Cotonou.
Fatou’s EP ‘Kanou’ was released on 9 May, followed by her debut full length album ‘Fatou’ on 19 September 2011 to much critical acclaim.
Following the release Fatoumata performed as part of Damon Albarn’s album and live project ‘Rocket Juice and the Moon’ (Honest Jon’s) which featured himself, Tony Allen and Flea. Fatou also featured Roberto Fonseca’s most recent release ‘YO’ and on Bobby Womack’s album ‘The Bravest Man In The Universe’ (XL) which was co-­‐produced by Damon Albarn and Richard Russell.
La Malienne Fatoumata Diawara (tout le monde l’appelle Fatou) est née en 1982. Dès l’enfance, elle danse dans la troupe de son père ; elle rencontre un grand succès en exécutant l’extravagante danse didadi de Wassoulou, le pays de ses ancêtres au Mali occidental. De caractère très indépendant, à son adolescence elle refuse d’aller à l’école et ses parents décident de l’envoyer – c’est une tradition africaine – vivre chez une de ses tantes à Bamako. Elle ne reverra pas son père et sa mère pendant près de dix ans.
Quelque temps après son arrivée, Fatou se retrouve sur un plateau de cinéma, à s’occuper du bébé de sa tante qui est actrice. Séduit par sa beauté, le metteur en scène lui confie une réplique dans le Pouvoir des femmes. Cela conduit Cheikh Omar Sissoko à lui confier l’un des rôles principaux de son film La genèse en 1999. Elle joue aux côtés du comédien Sotigui Kouyaté qui devient une référence dans sa carrière.
À dix-huit ans, Fatou part à Paris pour jouer au théâtre dans Antigone de Sophocle mis en scène par Kouyaté. Après avoir tourné avec la troupe, elle retourne au Mali en 2001 pour le tournage de Sia, film dans lequel elle tient le rôle titre et qui raconte l’histoire d’une figure féminine légendaire d’Afrique occidentale. Il obtient un succès phénoménal dans de nombreux pays ; pour beaucoup de Maliens, de Guinéens, de Sénégalais et de Burkinabés, Fatou EST Sia. Mais malgré les propositions de rôles qui affluent, sa famille souhaite qu’elle se fixe et se marie… Fatou est alors contrainte d’annoncer en direct à la télévision qu’elle abandonne sa carrière d’actrice.
En 2002, le directeur de la compagnie Royal de Luxe vient à Bamako lui offrir un rôle dans son nouveau spectacle. Mais au Mali une femme célibataire n’a pas plus de droits qu’un mineur, et la permission de partir lui est refusée par sa famille. Après avoir réfléchi, Fatou décide de s’enfuir et parvient à embarquer dans un avion, évitant de justesse la police qui est lancée à ses trousses par sa famille pour « kidnapping ».
Avec Royal de Luxe Fatou joue dans le monde entier. Pendant les répétitions et les moments de calme, elle s’amuse à chantonner en coulisses ; en l’entendant, le directeur la fait bientôt chanter pendant les spectacles. Encouragée par l’accueil du public, elle commence entre les tournées à se produire dans des clubs parisiens. C’est là qu’elle rencontre le musicien et producteur malien Cheikh Tidiane Seck qui la fait revenir au Mali pour faire les choeurs sur les albums qu’il réalise pour Oumou Sangaré (Seya) et Dee Dee Bridgewater (Red Earth). Fatou participe aussi aux tournées.
À son retour en France, poussée par Rokia Traoré qui l’encourage aussi à jouer de la guitare, Fatou joue le rôle de Karaba dans la comédie musicale Kirikou et Karaba. Elle raconte en souriant : Une fille malienne avec une guitare acoustique, c’était une chose à la fois merveilleuse et audacieuse. Pourquoi la guitare serait-elle réservée aux hommes ? Fatou apprend donc la six cordes en autodidacte et commence à écrire des chansons. C’est là qu’elle comprend que la musique est sa vraie passion et qu’elle décide de s’y consacrer pleinement. Elle enregistre des maquettes sur lesquelles elle chante et joue tous les instruments. Oumou Sangaré la présente au label World Circuit, l’enregistrement de son premier album peut commencer… Son album Fatou est sorti en octobre 2011.
Entre les sessions d’enregistrements et ses premiers concerts, Fatou trouve malgré tout, le temps de participer au projet Africa Express de Damon Albarn, sans oublier AfroCubism et le projet Imagine de Herbie Hancock et le nouvel album de Bobby Womack.
En janvier 2013 en réponse à la situation au Mali, Fatoumata Diawara a rassemblé une quarantaine de musiciens maliens de renom pour enregistrer le morceau « Mali Ko ». Ont répondu entre autres à son appel Amadou & Mariam, Oumou Sangare, Bassekou Kouyate, Vieux Farka Touré, Toumani Diabaté, Khaira Arby, Kasse Mady Diabaté, Tiken Jah Fakoly, Habib Koité…

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Bonga

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“Maker of one of the most powerful and enduring albums in the history of African music” – Song Lines

 

“Quarante ans que cette voix séduit et étonne. Unique, abrasive et résistante à tout” – Le Monde

 

 

More than an album – a legacy.

On his new album Recados de Fora (Messages from Elsewhere), Bonga – who just celebrated his 74th birthday – tells the tale of a fascinating journey across different times and continents. The Atlantic Ocean forms an ever-present connecting thread.

The singer-songwriter looks back pell-mell over his youth, his increasing awareness of Portuguese colonization, how his fisherman and accordionist father introduced him to music, and his love of semba, the symbol of Angolan national identity (kizomba, a favorite genre for younger generations, is a modernized version of semba). In fact, as one of the last great names in postcolonial African music, Bonga embodies semba today. Bonga is semba! – a fact clearly reflected in Tonokenu, a song in the purest tradition of his roots.

Recados de Fora, a journey back in time, also provides an opportunity to remember some of the wonderful people who had an impact on the singer’s career. For instance, the cover of Odji Maguado by B. Leza rekindles the flames of Bonga’s affection for the Cape Verde islands, a love that began at his first recording sessions in Rotterdam in 1972 when he played with musicians from the archipelago. It is also a tribute to his dear friend Cesaria Evora, who added it to her own repertoire. Then Banza Rémy recalls his long friendship with Remy Kolpa-Kopoul, a French journalist who left us too soon, an unforgettable voice and a great connoisseur of Brazilian music. Bonga brings him back to life with an old theme by songsmith Zé do Norte: Sodade, Meu Bem, Sodade, which was sung before by Maria Bethânia, Nana Caymmi and Nazaré Pereira. The Angolan master's version is enhanced by a searing Portuguese guitar accompaniment.

Plus qu’un album – un héritage.

Avec son nouvel album Recados de Fora (Messages d’ailleurs) Bonga, qui vient de fêter ses 74 ans, raconte un parcours fascinant à travers plusieurs époques et plusieurs continents, et toujours avec l’océan Atlantique en fil d’Ariane.

Le chanteur, auteur et compositeur, revient pêle-mêle sur sa jeunesse, sa prise de conscience aigue à l’égard de la colonisation portugaise, son initiation à la musique par son père pêcheur et accordéoniste, son amour pour le semba, symbole de l’identité nationale angolaise, et dont le kizomba, cette musique prisée par les jeunes générations n’est qu’une version modernisée. Car s’il est l’un des derniers géants de la musique africaine post-coloniale, on peut dire qu’aujourd’hui Bonga incarne le semba. Bonga est le semba ! – à l’image de la chanson Tonokenu, dans la pure tradition de ses racines.

Voyage dans le temps, Recados de Fora est aussi l’occasion de se souvenir de belles personnes qui ont marqué le parcours du chanteur avec notamment la reprise de Odji Maguado du compositeur B.Leza qui rallume la flamme de son attachement aux îles du Cap-Vert, en rappel de ses premiers enregistrements en 1972 à Rotterdam avec des musiciens de l’archipel. C’est aussi un hommage à sa chère amie, Cesaria Evora qui avait mis cette chanson à son répertoire. Banza Rémy est l’évocation d’une longue amitié avec Remy Kolpa-Kopoul, journaliste français parti trop tôt, voix inoubliable et grand amateur de la musique brésilienne que Bonga fait revivre avec un thème ancien du compositeur Zé do Norte Sodade, Meu Bem, Sodade chanté avant lui par Maria Bethânia, Nana Caymmi ou Nazaré Pereira, et dont il donne une version extatique portée par la guitare portugaise.

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Thomas de Pourquery

  • Thomas de Pourquery & Supersonic
    Thomas de Pourquery & Supersonic
  • Thomas de Pourquery & Supersonic

“De Pourquery’s excellent, shockingly sweet falsetto vocals cut through all the distorted electro-gunk like Fairy liquid.” – Jazzwise

 

“«Sons of Love» devrait l’imposer en compositeur suprême” – Les Inrockuptibles

 

 

New album release “Sons of Love” March 03rd, 2017 (Label Bleu) 

After the award for Best Album of the Year at the “Victoires du Jazz 2014” for their first CD, Supersonic are back…

After co-writing for exciting bands (Rigolus, DPZ, VKNG), and singing and playing saxophone for many artists such as Metronomy, The Shoes, Jeanne Added or Andy Emler… After performing songs by Tom Jones, Sun Ra, Queen, Frank Sinatra, Charlie Parker, Prince and David Bowie… After incursions into cinema with the Dogs of Navarre for the film « Apnée » directed by Jean-Christophe Meurisseou and Antonin Peretjatko with whom he shot « La loi de la jungle »… After a first album « Play Sun Ra » with his band Supersonic released in 2014 and crowned « Best Album of the Year » by the “Victoires du Jazz 2014”…

Here is « Sons of Love », the first album by Thomas de Pourquery, the first where he has composed all of the music, like a declaration of love for his heroes. The anatomy of a dream: Supersonic was born in 2011 with the album « Play Sun Ra ». The adventure had been so beautiful and the musical genius proven through so many concerts around the world. There was no need to make a second album like Sun Ra and even less to imagine writing a repertoire after playing such masterpieces… Wonderful memories should be preserved, another group should be formed and the page should be turned. But then came the dream… « While I rarely dream of music, one night I dreamt of this new album. I was like a miniature bird in an immense disused hangar that was open to the sky. I could fly next to the musicians who were playing. I could touch the keys of the saxophone, stand on a cymbal, and then jump onto the keys of the piano, or trampoline on the bottom string of the bass, it was crazy! But what was even crazier was the sound and energy that I heard. But what is this group? I realised on waking up that it was my band, Supersonic !!! I was stunned, literally transported and for the first time I could hear my beloved Edward, Laurent, Fabrice, Frederick and Arnaud in a different way. Fascinated by this interstellar sound that caressed me, I did not hear melodies but an energy from coiled up waves. I already knew that my group had its own chemistry; but in this dream the DNA of Supersonic was in my body it became a physical sensation. I really heard what Supersonic was. Every composer, has the infernal challenge of « writing a masterpiece », but when I awoke I had my ‘Eureka’ moment, I understood. I only had to write ‘pretexts’ so that the composition would flow. » The dream was the foundation for everything that would follow and it would open the door to freedom. Above all to write ‘pretexts’ for my five musical brothers, and to write for what they are, making the 6 dimensions of Supersonic dance in weightlessness. « I simply had to design the framework in which we would invent the text, the narrative, the discussions and the material together. To try to touch the stars while remaining as down-to-earth as possible, to only filter, to let the music to go through me and then to transcribe it, to combat the third eye which would watch over us like a drone above the battlefield. « 

The blank page had miraculously disappeared, so Thomas called the musicians and announced that there will be a second album and described his dream. In one month (February 2016) Thomas writes furiously thinking only of the sound of his 5 heroes: Edward Perraud, Frederick Galiay, Arnaud Roulin, Fabrice Martinez and Laurent Bardainne. Musicians who all have a love of melody, trance and improvisation; three fundamental principles of playing together. Here the force is the vibration and we think of groups such as Mingus, Coltrane, Sun Ra, but also of Joy Division, Sex Pistols, Jeff Mills … A brotherhood with a repetitive urban language with today’s technologies, which stirs emotion and moves people in an act committed humanly and politically, to connect to what we do not understand, to the miracle of life. Similar to the Indian ragas, here the tracks are characters that propel us in the heroic intergalactic epic of Titan when he meets the Sirens. Together, they travel in Spaces Ways and in an explosion of love from planet to planet then to ecstasy and finally landing to hold back time. They then become aware that they are the threads of love, woven and transcended by the Simple Forces, and set out to recapture the booty to make the Revolution, the only, the great, the true: around the sun. And it starts all over again.

 

Nouvel album « Sons Of Love » Label Bleu / L’Autre Distribution Sortie 3 mars 2017

Le premier album « PLAY SUN RA » de Thomas de Pourquery & Supersonic a été élu Meilleur Album de l’Année aux Victoires du Jazz 2014. Le second… vous allez en entendre parler

« Après avoir vécu une si belle histoire avec le Supersonic et le premier album, je n’envisageais pas retourner en studio en enregistrer un second. Je ne me voyais ni écrire de la musique pour ce groupe qui est né avec les chefs-d’oeuvre de Sun Ra (je me disais « Qui suis-je, moi Thomas, pour passer après ce génie?! »), ni faire un « Play Sun Ra volume II »… Je me suis presque résolu à cette idée que l’histoire s’arrêterait là… jusqu’à cette nuit de février 2016 pendant laquelle je fis ce rêve incroyable… J’étais une toute petite souris volante et me trouvais au milieu de Supersonic qui jouait dans un immense hangar. Je pouvais voler et aller partout, presque toucher les clefs du saxophone, me lover sur une cymbale, et puis tout d’un coup sauter sur les cordes du piano, c’était fou ! Mais ce qui était encore plus fou, c’était le son et l’énergie de ce que j’entendais. J’étais stupéfait, littéralement transporté et pouvant pour la première fois entendre mes tant aimés Edward, Laurent, Fabrice, Frederick et Arnaud avec une oreille extérieure. J’avais bien conscience auparavant que mon groupe avait une énergie et une alchimie qui lui étaient propres, mais dans ce rêve, l’ADN de Supersonic est devenu une sensation physique, il s’est inscrit dans ma chair. A mon réveil, une porte s’était ouverte, grande ouverte, cela m’est apparu comme une évidence, il ne suffisait que d’écrire des prétextes, ou plutôt des pré-textes, des terrains de jeu pour mes 5 camarades, dans lesquels nous inventerions le texte, la narration, les discussions et la matière tous ensemble . Il ne me fallait dessiner que le cadre. La problématique remplie d’égo du compositeur devant « sa vie, son oeuvre » et sa page blanche avait miraculeusement disparu ! Le mois suivant, béat, j’ai travaillé jour et nuit, pour écrire toutes ces idées, les transes et les mélodies qui arrivaient comme par magie ; habité seulement par l’envie de faire vibrer et sonner le groupe, comme nous l’avons fait avec tant de bonheur ces 3 dernières années, en concerts à travers le monde. C’est ainsi qu’est né le tome 2 de l’histoire de Supersonic, oiseau parti du nid divin de Sun Ra et qui maintenant prend son envol: il s’appelle Sons Of Love. » Thomas de Pourquery

Ce spectacle bénéficie de l’aide du CNV
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« L’Adami, société des artistes-interprètes, gère et développe leurs droits en France et dans le monde pour une plus juste rémunération de leur talent. Elle les accompagne également par ses aides financières aux projets artistiques.»
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